Scuole

Babycall è un film sulla maternità, sull’amore iperprotettivo di una madre verso il proprio figlio e la violenza familiare che purtroppo a volte si manifesta. Come racconta il regista, Pal Sletaune, “Babycall è un film su un’eroina moderna. Il film tratta di quanto un essere umano può sopportare, e di come il personaggio principale, Anna, come ogni persona, crei da solo il proprio mondo. Babycall è un thriller emozionale sull’empatia, sull’ansia, sul superamento dei limiti della nostra immaginazione”. Il regista si è interrogato sui meccanismi che governano i rapporti più stretti, su quanto delicato e vulnerabile possa essere il rapporto tra genitori e figli.
Noomi Rapace, già straordinaria interprete della trilogia Millennium tratta dagli omonimi romanzi di Stieg Larsson, ci regala ancora una volta un’emozionante interpretazione che le è valsa il Premio Marc’Aurelio come Miglior Attrice al Festival di Roma 2011.

PREMI: Premio Marc’Aurelio come Miglior Attrice al Festival di Roma 2011
Thessaloniki International Film Festival
Seville European Film Festival
Guadalajara Mexico International Film Festival

“Il primo bacio” é una commedia adolescenziale leggera. Il mondo a parte della scuola, si sa, puo’ regalare dei momenti di grande ilarità e il regista esordiente Riad Scattouf rende le situazioni a tratti esilaranti. Pur provenendo dallo stile fumettistico (in particolare da “La vie secrète des jeunes”, dello stesso Scattouf), Hervé e Camel non sono mai caricaturali, mostrano le incertezze e le pulsioni della propria età. In parte nostalgico, delle volte semplicemente ingenuo come un bambinone, Hervé é la perfetta incarnazione del giovane che non ha ancora trovato un equilibrio con se stesso”. Il film affronta i problemi, le sconfitte, le delusioni amorose e la timidezza tipici di ogni adolescente, mostra le incertezze e le pulsioni che tutti i ragazzi in questa fase della loro vita hanno, e ci mostra come Hervé, il protagonista, riesce a superarle.

PREMI: César 2010 – Miglior Opera Prima
Premio Lumière 2010 per la migliore promessa maschile: Vincent Lacoste e Anthony Sonigo

Un film straordinariamente interessante: l’autore scozzese, Paul Wright guida gli spettatori pian piano nella psiche del protagonista e nell’animo di chi lo circonda, aprendo a più ed interessanti quesiti. Ricchi e molteplici sono i riferimenti ad uno dei maestri della prosa come Joseph Conrad o all’opera capolavoro di Herman Melville, Moby Dick. Come Conrad, Paul Wright affianca una straordinaria capacità d’indagine dei comportamenti umani: come i personaggi di Conrad, cos ì il suo personaggio interpretato maestosamente da George Mackay s’interroga continuamente su ciò che è “vero e ciò che è falso, sulla vita e sulla morte, sull’innocenza e sulla colpa” oltre ad esplorare la natura della società, necessaria, ma corruttrice e quello della solitudine, inevitabile, ma distruttiva. Come Melville, Paul Wright offre un immenso affresco dei diversi modi di comportamento dell’individuo nei confronti del mondo e del problema della dicotomia tra bene e male. È importante proporre la visione ai giovani studenti perchè è un’opera prima di un regista che con merito è riuscito a raggiungere il premio BAFTA e, attraverso i tòpoi della favola, ha espresso una livida e convincente elaborazione del lutto. Interessante tema di discussione del film sono le reazioni e le relazioni tra le persone, come queste si evolvono e come vengono usurate dal sospetto (o dalla certezza) che la persona che hanno accanto sia un mostro. Paul Wright è interessato alle persone, ai loro comportamenti, alle loro reazioni, all’irrazionalità delle pulsioni umane ed esprime attraverso una sceneggiatura lucida il famoso concetto “Vox populi, vox Dei”. Ovvero, se la comunità è concorde, quello che si dice è vero. Partendo da questa teoria, si rinforza la forza del rapporto figlio-madre, unica a credere all’innocenza del figlio e a sostenerlo nella sua ricerca della verità. Altro spunto di riflessione è la forza della volontà, dell’andare oltre e superare i propri limiti per raggiungere lo scopo prefissato. Il Superstite lascia, quindi,lo spettatore disorientato. specialmente nel finale onirico, aprendo domande inquietanti sulla natura dell’animo umano.

COMMENTO: L’affido – Una storia di violenza è un film che fa riflettere, che mostra come i problemi “dei grandi” vengano percepiti dai più piccoli e li influenzino tanto da farli crescere troppo in fretta. Il piccolo Julien cerca in ogni modo di difendere la madre facendosi carico della lotta contro il padre, cercando di fare da scudo e da filtro tra quell’omone geloso e irascibile e la madre che, di fronte all’uomo che ha amato, appare ancor più spaventata e indifesa del figlio. Julien è al centro della scena e della continua lotta tra i genitori mentre la figlia maggiore, Josephine, appare come uno spettatore esterno rispetto a quanto accade tra i tre personaggi principali, lei, d’altronde, sta per diventare maggiorenne. Seppur preoccupata per quello che succede tra i genitori, Josephine si lascia però trasportare dai problemi tipici della sua età: il conflitto con la madre che l’ha allontanata dagli amici e dal fidanzato, la voglia di allontanarsi a sua volta dal trambusto che la separazione dei genitori ha portato nella sua vita.
L’affido – Una storia di violenza è un film che racconta le tese dinamiche interpersonali che si muovono dietro i tanti casi di violenza contro le donne che tristemente affiorano ogni giorno sui media. Il regista Xavier Legrand, trascrive il tema sociale in emozioni, riuscendo a presentare in maniera esemplare i segni premonitori del manifestarsi della violenza, e fa questo seguendo un percorso narrativo avvincente, che oscilla tra i canoni del thriller psicologico e quelli del dramma familiare.

La prima stella si lancia nella “pista rosa” della commedia per famiglie, tentando di compiere uno slalom gigante fra culture diverse e la loro integrazione, fino a un edificante traguardo in cui i bianchi razzisti si convertono facendo ammenda e gli antillani più anziani cantano vecchi inni a De Gaulle.

Racconta le vicende di una famiglia nera immersa in un panorama bianco, in vacanza sulla neve; lo sport è infatti un grande fattore di integrazione culturale e nelle sue pratiche di intrattenimento si possono inscrivere veri progetti politici e sociali…

Signore e Signori Benvenuti a bordo della commedia più glamour e frizzante degli ultimi anni, adattamento della sceneggiatura americana “Stand By Love”, che come sostiene il regista Alexandre Castagnetti “ricorda l’armonia dei classici hollywoodiani che amo molto (Notting Hill, Il Diario di Bridget Jones, Scrivimi una canzone, 50 volte il primo bacio, ecc)”.

Antoine, un avvocato che vive a New York, è sul volo che lo riporta in Francia per un colloquio di lavoro. Si ritrova seduto accanto a Julie, sua ex fidanzata… Love is in the Air – Turbolenze d’amore è una storia d’amore ”in volo” da New York a Parigi tra due ex amanti che si sono lasciati alcuni anni prima a causa di un malinteso, dove tra le molte scene romantiche, rocambolesche, divertenti i protagonisti vivranno il viaggio più stravolgente della loro vita… e chissà se resteranno ex per sempre. Seduti l’uno accanto all’altra per sette ore di viaggio, infatti, saranno costretti a parlarsi di nuovo…

Rara – Una strana famiglia è una delicata commedia di grande tenerezza, non un film politico ma una storia che parla di sentimenti ed emozioni tra genitori e figli, una “storia di lealtà, speranza e di amore nelle sue molteplici forme” (Generation K-plus International Jury).

Sara è felice. Vive con sua madre, sua sorella e la compagna della madre. Quando compie tredici anni però il suo mondo comincia a trasformarsi con un impatto devastante anche sulla vita delle persone che la circondano. Le cose si complicano quando il padre intraprende una battaglia legale per l’affidamento delle figlie. Basato su una storia vera.

PREMI: Premio Miglior Film Generation al 66mo Festival di Berlino, Premio Horizontes Latinos e Premio Sebastiane Latino al 64mo Festival di San Sebastian, Premio del Pubblico e Premio per la Miglior Attrice a Julia Lubbert al Queer International Film Festival di Lisbona

The Fighters – Addestramento di vita, è una commedia militare romantica e irresistibilmente divertente, dove l’amore disarma e la sopravvivenza passa attraverso la solidarietà.

L’estate del giovane Arnaud si preannuncia tranquilla fino al momento in cui incontra Madeleine, bella, fragile e appassionata di allenamenti estremi e profezie catastrofiche. Veniamo catapultati così nel mondo estremo di Madeleine attraverso una commedia che “immerge il pubblico nella storia, crea un’intimità con i personaggi. Condividiamo i loro rituali, le loro fantasie e le cose in cui credono” (Thomas Cailley). Arnaud non si aspetta nulla mentre Madeleine si prepara alla fine del mondo… Tra i due, nasce una storia d’amore e di sopravvivenza (o entrambe), fuori da ogni canone prestabilito.

PREMI: Quinzaine des Réalisateurs del Festival di Cannes: Label Europa Cinemas, SACD, Art Cinéma Award, Prix Louis Delluc dell’opera prima
César 2015 – Miglior Attrice, Miglior Giovane Attore, Miglior Opera Prima

 

Il New Burleque è la continuazione e la reinterpretazione di un genere profondamente radicato nella tradizione del music-hall inglese e americano. Originariamente gli spettacoli burlesque erano un melange di satira sociale e numeri musicali e nutrivano una parte della commedia americana fino agli anni 20 30. In seguito il genere si riduce ad una semplice espressione di nudità e diviene sinonimo di strip-tease. Ma dagli anni 90 il rinnovamento del Burlesque, detto New Burlesque, trae ispirazione da queste due epoche rintroducendo il teatro, la coreografia, il glamour, il senso dell’humor, dell’eccesso e della la satira.

Il film parla, attraverso questo mondo vivace e apparentemente sempre felice, della malinconia di un uomo e del suo tentativo di ritrovarsi, aprendoci a questo aspetto culturale ancora da comprendere.

 

 

 

 Isola 10 è un film storico e di grande impatto visivo ed emozionale. Santiago del Cile, 1973. Dopo il colpo di Stato, una trentina di leader e autorità dell’Unidad Popular vengono trasferiti sull’Isola Dawson, il campo di concentramento più australe del mondo. La mescolanza tra il documentario e il ricreare gli avvenimenti, mantiene il colore dei tempi che furono e ci permette di ricordare, di risvegliare la memoria che è nel subconscio collettivo, unito dal sentimento e dalla forza della dignità. “L’uomo e la natura, passato e possibile futuro, espresso in sogni, poesie lettere disegni, scritti sulle pietre forse ricordando la frase di Neruda “Lasciai scritto su ogni pietra un telegramma”, che proiettano il presente nell’oggi, nella democrazia costruita dalla paziente e tenace resistenza pacifica alla violenza.

Quanti Cile ci sono nell’Isola? Oppressi e oppressori confinati in uno sperduto luogo della terra, alla fine del mondo, devono in qualche modo convivere, né bianco né nero. Tra i due meglio l’angolatura–sguardo-punto di vista umanista, il colore della realtà implacabile che può illuminare o accecare: è lì la sfida” Miguel Littin.

PREMI: In concorso al Festival di Roma 2009
Goya 2010 – Nomination Miglior Film in Lingua Spagnola
OSCAR 2010: il film è stato candidato all’Oscar 2010 come Miglior Film Straniero

Master Of The Universe è un documentario che parla del mondo, spietato, della finanza.
Il regista Marc Bauder ha incontrato Rainer Voss, fino a qualche anno fa uno dei “dominatori dell’universo”, broker spietato al soldo di banche e società d’investimento che trattano e scambiano denaro per centinaia di milioni di euro al giorno. Fra le mura di una Banca abbandonata, al centro della Francoforte finanziaria, quasi come dentro la pancia di un mostro potente e invisibile, Bauder interroga Voss che, con diligenza e precisione, prova a descrivere quel che ha visto nei suoi anni passati a ingrassare quel mostro. Ne viene fuori il quadro di un mondo quasi parallelo, megalomane e terrificante. Un documentario che viaggia al ritmo incalzante di un triller: crudo, spietato, diretto, travolgente.

PAROLE CHIAVE: economia, finanza, broker

 

PREMI: Premio della Critica a La Semaine de la Critique di Locarno
European Film Awards Miglior Documentario

 Gilberto Gil continua il suo impegno iniziato come primo Nero eletto ministro della cultura in Brasile: promuovere la diversità culturale nel mondo globalizzato. Tra incontri e concerti scopriamo la sua visione di un futuro dove le diversità siano sempre più connesse tra di loro, un mondo ricco di speranze, di cambiamenti…e soprattutto di musica. Un documentario musicale istruttivo ma anche divertente sull’impegno di Gil e su cosa possiamo fare noi tutti per cambiare questo mondo in meglio, prendendo spunto dalla sua grande personalità e perseverante passione.

 

un film memorabile, suggestivo, dalla magnifica fotografia. Temi principi le difficoltà del nostro pianeta a sopravvivere, l’imminente disastro ambientale qualora l’uomo non decida di salvare la terra in cui vive, la necessità di porre attenzione all’ecologia e a ciò che ci circonda. La natura si inalbera e si ribella: l’inverno non vuole morire e la primavera non può arrivare. Ecco che tutto, assolutamente tutto, poco a poco si sfalda, si deteriora, cade in abbandono. Decidendo di raffigurare una serie di minacce collettive crescenti, La quinta stagione, nel suo sviluppo e nella sua estetica, ci mette alla prova, ci scuote e ci folgora.

Quello che colpisce di più, del film ideato e diretto da Stephane Aubier e Vincent Patar è che pur essendo un prodotto perfettamente fruibile per i bambini di tutte le età (e forse a loro primariamente indirizzato), è in grado di conquistare gli adulti con la sua folle ed anarchica creatività: Panico al villaggio è infatti caratterizzato da uno humour non-sense ed obliquo che ignora e sovverte ogni regola della logica e della fisica.Basato su una serie televisiva belga di grande successo, popolarissima anche in Francia ed in altri paesi europei (tra cui l’Inghilterra, dove a curarne l’adattamento è la Aardman) Panico al villaggio è uno dei pochi film d’animazione ad essere mai entrato a far parte della selezione ufficiale di Cannes. Se c’è riuscito, non è solo per la popolarità ma anche per la divertente e folle anarchia creativa. Pur essendo di un’estrema originalità e autonomia, il film rimanda ad autori come Tati e Keaton e alle atmosfere di Gondry.